上面的答案主要是关于电影电视编剧的，我来说一点关于戏剧编剧的吧。
1.工作的初始条件可能有很多种，比如一个剧院出钱请编剧写一出戏，这种叫Commission，能拿到Commission的编剧一般都是已经崭露头角或者出了名的；或者一个以前合作过的导演想拍一出戏，所以请编剧来写。对于编剧自己来说，最开始的可以是一个想法，一个零碎的片段，甚至一句台词，或者自己想象中的开场或结尾时的画面。有些人喜欢在真正动笔之前列一个提纲，把整个戏的基本结构规划出来，即李渔说的“立主脑”。当然，写的过程中可以随时修改或推翻这个规划；也有的人倾向于不列提纲，觉得这样会把自己限制住，他们更喜欢摸着石头过河，边写边决定故事接下来的走向。这是个人喜好问题，我偏向于前者。
2.戏剧作品和电影电视不同，大多数时候都只有一个编剧，合作的话一般也不会超过三个人。如果一部剧没有一个专门的编剧，而是由导演提出一个概念，然后由全体演员共同完成一个故事结构，这样的形式叫Devised Theatre，赖声川早期的很多作品就属于这一类。他作为导演，带领大家一块构思，所以连具体的剧本也没有，是后来为了出书才专门又根据回忆、录音、录像等把当时演出的文本整理出来。电影和电视行业里，至少从我听老师讲的，组织结构更加明显一些。拿电影来说，有人只提供故事的梗概，然后有人负责具体的台词；电视的话，一部剧的最顶端是Creator，他们通常也是整部剧的出品人，他们为整个剧定下基调，而具体每集的故事和台词一般是由一个编剧团队（几人到十几人）来完成的。
3.戏剧编剧最经常吐槽的应该是导演。因为把纸上的文本搬上舞台，使之变得有血有肉，需要导演和编剧步调一致，有互相契合的想法，最害怕的就是导演完全误读了编剧的本意，把一出严肃的正剧排成了闹剧。当然编剧也要学会在合作的最初阶段向剧组，尤其是导演清楚地介绍说明自己的作品。另外经常被编剧吐槽的是剧构，即Dramaturg。好的剧构能够为剧本修改和排练贡献必要的事实信息（相当于顾问的职务）提出值得导演和编剧思考的问题。而糟糕的剧构只会说“你的戏太长了，得砍掉一些”或者“这个场景有毛病，让我来把它修好”，甚至“我也贡献了不少，到时候编剧也写上我的名字吧”。剧本不是个病人，不是个有BUG的程序。而且，如果你想当编剧并且相信自己有这样的能力，就去写自己的剧本，请不要来腆着脸对别人的东西指手画脚。
4.在美国，戏剧编剧的收入大概是这样构成的：1）Commission，如果有的话；2）各种竞赛的奖金，如果能得到的话；3）各种艺术基金会的Fellowship或者Grant，如果能申请得到的话。很显然，这些都不是固定收入，而且都是可遇不可求的（除非你已经很出名，Commission多得接不过来）。现在已经不是18、19世纪，每个剧团都有固定的驻团编剧，好吃好喝养着。如果想要有固定的收入，大学教授当然是最理想的选择，但是要得到这么一份工作，首先得获得认可，得些奖什么的，很不容易。所以很多刚上路的编剧都是找一份甚至两份不相关的工作养活自己，利用剩下的时间写东西。
5.绝大多数（95%）都是自由职业者。
6.我觉得所谓“门槛”有两大构成要素：1）天赋；2）努力程度。天赋是个很玄的东西，没有固定的标准。努力程度很简单，下了多少功夫就是多少功夫，从古到今没有变过。所以门槛不存在低了或者高了的问题。外部条件方面，借助于各种新兴媒体，编剧是有了更多的渠道让别人看到自己的作品。
写得比较仓促，没有上面的答案周详。希望对你有帮助。
来源：知乎 www.zhihu.com
作者：田弘毅
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